Турист Андрей Л (altravel)
Андрей Л — был сегодня 13:47
Открыли для себя Сибирь. Масса впечатлений!
Фотоальбом

Выставка «После импрессионизма…»

Galaxy S23 Ultra
39 41

С 17 апреля в Пушкинском музее в Москве проходит выставка «После импрессионизма. Русская живопись в диалоге с западным новым искусством». Эта экспозиция, сопоставляя работы отечественных художников второй половины 19-го — начала 20-го века с шедеврами французской живописи (от импрессионизма до кубизма), представляет «этапы большого пути» русского изобразительного искусства — от реализма передвижников до авангарда.

На протяжении столетий академическая живопись создавалась по строгим канонам: приоритет рисунка над цветовым пятном, четкое деление композиции на планы, ярко выраженная перспектива, стремление к реалистичности в рамках определенного набора сюжетов и жанров. Но во второй половине 19-го века в изобразительном искусстве произошел переворот, связанный с появлением импрессионизма. Художественные поиски, начавшиеся во Франции, затронули искусство и других стран, включая Россию.

Первоначально эта выставка планировалась как совместный проект с Лондонской национальной галереей, рассказывающий о создании на рубеже 19-20-го веков нового искусства. Когда же в 2022 году стало ясно, что это сотрудничество невозможно, ГМИИ им. Пушкина подготовил нынешнюю экспозицию, адаптировав проект под новые реалии, однако не меняя его общую направленность. Музей использовал собственную, совершенно выдающуюся коллекцию зарубежной (прежде всего французской) живописи соответствующего периода, дополнив ее множеством релевантных работ отечественных художников из почти двух десятков других собраний — начиная от Эрмитажа, Третьяковки и Русского музея, и заканчивая художественными музеями Казани и Смоленска, Омска и Серпухова, Саратова, Нижнего Новгорода, Чебоксар… Все это — работы очень хорошего качества, тем или иным образом связанные с изучением и переосмыслением отечественными художниками новых художественных явлений в искусстве того времени. Большинство привлеченных извне картин — нечастые гости Москвы и Санкт-Петербурга, что делает эту выставку еще привлекательнее. Она интересна даже тем, кто хорошо знает постоянную экспозицию Пушкинского.

Главное слово в названии этой выставки — это «диалог», и наиболее продуктивная фаза взаимодействия русской живописи с европейской пришлась на период 1860–1914 годов, который и охватывает эта выставка. Наблюдать этот диалог исключительно интересно. При развеске картин использован принцип аналогии, то есть рядом показаны работы западных и русских художников, схожие по сюжету и технике создания. И эти сближения оказываются весьма интересными и удивительными.

Кому-то из наших живописцев, что отправились изучать зарубежное искусство в качестве пенсионеров Академии художеств или самостоятельно, новые тенденции не пришлись по душе. Другим зародившаяся новая эстетика оказалась очень близка, и они, осваивая ее, показали себя исключительно талантливыми учениками. Нужно также еще раз поклониться нашим увлечённым коллекционерам Сергею Щукину и братьям Морозовым, благодаря которым отечественные живописцы имели возможность видеть самые «свежие» французские шедевры, даже не покидая страны.

Многие представленные на выставке отечественные работы выглядят абсолютно на уровне европейских, не уступая им ни в мастерстве исполнения, ни в эмоциональном воздействии. Ну и конечно, выделяется группа авторов (Наталья Гончарова, Любовь Попова, Михаил Ларионов, Казимир Малевич, Василий Кандинский), которые постепенно перешли от подражания к созданию своего собственного художественного языка, совершенно оригинальных направлений живописи, получивших общее название русского авангарда. Можно по-разному относиться к авангарду, но именно он в ХХ веке стал визитной карточкой отечественной живописи в мире. Некоторые такие работы можно найти ближе к концу выставки, уже без аналогов и сравнений.

Экспозиция получилась масштабная: она заняла три этажа Галереи искусства стран Европы и Америки Пушкинского музея, отразив самые разные направления живописи, начало которым положил импрессионизм (символизм, пуантилизм, фовизм, сезанизм, экспрессионизм и другие). Выставка хорошо структурирована, в каждом зале есть пояснительные тексты, помогающие разобраться в особенностях выставленных картин. Есть аудиогиды, проводятся экскурсии.

В этот альбом вошла малая часть этой выставки с креном на картины отечественных художников, исходя из того, что великолепная французская коллекция Пушкинского музея более-менее знакома всем. В качестве комментариев к отдельным картинам использованы материалы ГМИИ им. Пушкина.

Выставка работает по 24 сентября 2023 г. Режим работы и цены здесь: Посетителям (pushkinmuseum.art)

Клод Моне. Завтрак на траве. 1866. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Клод Моне. Завтрак на траве. 1866. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Выставка открывается картиной «Завтрак на траве» Клода Моне (1866). Эта одна из тех этапных работ, с которой начались тектонические процессы в искусстве во второй половине 19-го века. Можно сказать, что благодаря именно Клоду Моне импрессионизм получил свое название и выделился как самостоятельное направление. В начале 1870-х годов художники, впоследствии ставшие мастерами этого течения, устроили свою первую выставку, где Моне представил картину Impression, soleil levant ("Впечатление. Восходящее солнце"). Одному из консервативно настроенных критиков увиденное не понравилось, и в статье, упрекая живописцев, он назвал их "впечатленцами", то есть импрессионистами. Им это ироничное оскорбление понравилось, и впредь они только так и стали себя называть.
Илья Репин. На дерновой скамье. 1876. Русский музей, Санкт-Петербург.
Илья Репин. На дерновой скамье. 1876. Русский музей, Санкт-Петербург.
А эта картина написана через 10 лет после "Завтрака на траве" Клода Моне. Летом 1876 года Илья Репин вернулся в Россию из пенсионерской поездки по Европе, во время которой он посетил Париж и познакомился с современным французским искусством. После приезда он жил на даче под Петербургом, где и написал картину «На дерновой скамье», изобразив свою семью на природе. Во Франции Репин приобрёл навыки работы на пленэре. В этой картине это отразилось в солнечных зайчиках на траве – пятнах света, проникающего сквозь листву деревьев и падающего на лужайку и человеческие фигуры. Однако эстетика импрессионизма и техника живописи раздельными мазками чистых тонов не были близки художнику. «Я не могу долго смотреть на это разложение цветов; глазам делается больно сводить эти ярко-зеленые краски с голубыми полосами, долженствующие изображать тени, эти розовые, абрикосовые полоски и точки света, фиолетовые тени. Как надоели!» – писал Репин.
Василий Перов. Праздник в окрестностях Парижа (На Монмартре). 1863-64. Третьяковская галерея, Москва.
Василий Перов. Праздник в окрестностях Парижа (На Монмартре). 1863-64. Третьяковская галерея, Москва.
В 1863 году Василий Перов в рамках своей заграничной пенсионерской поездки от Императорской Академией художеств приехал в Париж, где прожил более года. Живописца, как и в России, интересовали социальные сюжеты, поэтому он наблюдал за повседневной жизнью простых людей и создал серию жанровых полотен, реалистично зафиксировавших сцены быта парижан.
Илья Репин. Дама, играющая зонтиком. 1874. Эскиз к картине «Парижское кафе». Третьяковская галерея, Москва.
Илья Репин. Дама, играющая зонтиком. 1874. Эскиз к картине «Парижское кафе». Третьяковская галерея, Москва.
«Я ужасно заинтересован Парижем, его вкусом, грацией, легкостью, быстротой и этим глубоким изяществом в простоте. Особенно костюмы парижанок!», – писал Илья Репин. Он жил в Париже с 1873 года, благодаря пенсии от Императорской Академии художеств.
Леон-Максим Февр. Русская парижанка. 1891. ГМИИ им. Пушкина.
Леон-Максим Февр. Русская парижанка. 1891. ГМИИ им. Пушкина.
Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. Пушкина.
Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. Пушкина.
Эта работа - программная как для Клода Моне, так и для всего объединения художников-импресионистов. Композиция фрагментирована: здесь, словно на фотографическом кадре, будто бы случайно срезаны фигуры людей справа. На картине доминирует яркий солнечный свет, раскрашивающий улицу и здания Парижа всеми цветами радуги и растворяющий контуры предметов и людей. Отказ от чёрного и серого цветов, цветные тени, контрастные сочетания тёплых и холодных тонов - всё это также отличает работы импрессионистов.
Константин Коровин. Париж утром. 1906. Третьяковская галерея, Москва.
Константин Коровин. Париж утром. 1906. Третьяковская галерея, Москва.
А это - Париж, изображенный Константином Коровиным. Он впервые посетил Париж в 1887 году, где познакомился с современным зарубежным искусством и увлёкся импрессионизмом. В 1890-1910-е годы он приезжал в Париж почти каждый год, а с 1922 года остался жить во французской столице. Коровину эстетика импрессионизма оказалась близка.
Н.А. Тархов. Faubourg St. Martin. 1901. Третьяковская галерея, Москва.
Н.А. Тархов. Faubourg St. Martin. 1901. Третьяковская галерея, Москва.
Похожий вид, написанный русским живописцем Н.Тарховым, - даже более смело, размашистыми, почти абстрактными мазками.
Жюль Бастьен-Лепаж. Деревенская любовь. 1882. ГМИИ им. Пушкина.
Жюль Бастьен-Лепаж. Деревенская любовь. 1882. ГМИИ им. Пушкина.
А вот эта картина, привезенная в 1885 году в Москву Сергеем Третьяковым, произвела тогда большое впечатление на наших живописцев. Видимо, умелым сочетанием реализма и находок импрессионистов со смысловой глубиной. Так, Серов ходил смотреть на эту картину в собрание Третьякова каждое воскресенье, а Михаил Нестеров писал, что эта работа «по силе, по чистоте чувства могла быть и в храме. Картина эта, по сокровенному, глубокому смыслу, более русская, чем французская». Художник-реалист Жюль Бастьен-Лепаж подробно прописал все детали крестьянского быта, однако обогатил свое полотно художественными открытиями импрессионистов, уделив особое внимание эффектам освещения и тональным нюансам.
Михаил Иванов. Ответа жду. 1900. Государственное музейное объединение
Михаил Иванов. Ответа жду. 1900. Государственное музейное объединение "Художественная культура Русского Севера", Архангельск.
А это наш ответ Лепажу. Очевидно, это полотно было вдохновлено его "Деревенской любовью". Живописец украсил цветами пространство за фигурами и наполнил полотно светом. При этом Иванов, как и Бастьен-Лепаж, уделил особое внимание реалистичности деталей деревенской жизни.
Мария Башкирцева. Дождевой зонтик. 1883. Русский музей, Санкт-Петербург.
Мария Башкирцева. Дождевой зонтик. 1883. Русский музей, Санкт-Петербург.
Мария Башкирцева училась в Академии Жюлиана в Париже, затем сблизилась с Жюлем Бастьен-Лепажем, творчеством которого восхищалась. Полотно написано художницей за год до её смерти от туберкулёза в возрасте 25 лет. И здесь реализм изображения сочетается с новыми художественными приемами, открытыми импрессионистами.
Валентин Серов. У окна. 1886. Третьяковская галерея, Москва.
Валентин Серов. У окна. 1886. Третьяковская галерея, Москва.
Несмотря на мрачный колорит картины, этот портрет отражает особый интерес Валентина Серова к эффектам естественного освещения. На картине изображена возлюбленная Серова Ольга Трубникова, которая стала музой и моделью художника, а позже – и его женой. Замечательный портрет!
Жорж-Пьер Сёра. Форт-Сансон, Гранкан. 1885. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Жорж-Пьер Сёра. Форт-Сансон, Гранкан. 1885. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Это единственная в России картина Сёра - родоначальника пуантилизма (от французского point – точка). Жорж Сера соединил принципы импрессионизма с научными теориями о цвете, в результате чего возник пуантилизм – стилистическое направление, в основе которого лежит метод письма раздельными мазками чистых цветов в форме точек, сливающихся с определённого расстояния на сетчатке глаза зрителя.
Наталия Гончарова. Пейзаж (Пуантель). 1907–1908. Третьяковская галерея, Москва.
Наталия Гончарова. Пейзаж (Пуантель). 1907–1908. Третьяковская галерея, Москва.
Совсем неожиданная Гончарова! Этот пейзаж относится к раннему периоду творчества художницы, когда вслед за французскими пуантилистами она экспериментировала с использованием раздельных мазков чистых цветов в форме точек.
Владимир Бурлюк. Девушка в желтом платке. 1906–1907. Третьяковская галерея, Москва.
Владимир Бурлюк. Девушка в желтом платке. 1906–1907. Третьяковская галерея, Москва.
И это полотно выполнено в технике пуантилизма: монументальная фигура девушки и фон покрыты пёстрым узором из разноцветных точек.
Роберт Фальк. Лиза на солнце. 1907. Государственный музей изобразительных искусств республики Татарстан, Казань.
Роберт Фальк. Лиза на солнце. 1907. Государственный музей изобразительных искусств республики Татарстан, Казань.
Эта картина относится к раннему периоду творчества Фалька, когда он был увлечён эффектами естественного солнечного освещения на пленэре и писал раздельными мазками чистых цветов. Роберт Фальк изобразил на картине свою первую жену Елизавету Потехину, с которой учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у Валентина Серова и Константина Коровина.
Пьер Пюви де Шаванн. Бедный рыбак 1879. ГМИИ им. Пушкина.
Пьер Пюви де Шаванн. Бедный рыбак 1879. ГМИИ им. Пушкина.
Теперь мы в зале, посвященном художникам-символистам, которые не просто фиксировали реальность, а осмысляли ее через аллегории. Произведение «Бедный рыбак» – это один из эскизов к одноименной программной работе мастера, хранящейся в музее Орсэ в Париже. На картине - фигура рыбака-вдовца, который остался один с двумя детьми, но не может найти в себе силы вернуться к повседневным занятиям. Пронизывающая работы Пюви де Шаванна тоска по иному, недоступному бытию была свойственна символизму как художественному направлению в целом.
Михаил Нестеров. Великий постриг. 1898. Русский музей, Санкт-Петербург.
Михаил Нестеров. Великий постриг. 1898. Русский музей, Санкт-Петербург.
А это уже - один из лучших российских художников-символистов. На постриг ведут молодую инокиню, которая так и не нашла своё счастье и пришла искать убежище от мирских волнений в тихом заповедном месте. В этой картине ярко проявилось огромное эмоциональное воздействие, которое на Нестерова оказали картины французского мастера Пьера Пюви де Шаванна. За эту картину Нестеров получил звание академика. Для западного зрителя Нестеров, видимо, слишком русский...
Виктор Борисов-Мусатов. Весенняя сказка. 1905. Третьяковская галерея, Москва.
Виктор Борисов-Мусатов. Весенняя сказка. 1905. Третьяковская галерея, Москва.
Еще один классик отечественного символизма. В качестве темы монументального цикла, к которому относится эта работа, была выбрана смена времён года, в которой художник выразил аллегорию состояний души человека. «“Весенняя сказка” – это утро и радость, находящая выход в танце, и юное стремление к красоте», – писал Борисов-Мусатов о содержании этой акварели.
Виктор Борисов-Мусатов. Гармония 1899–1900. Третьяковская галерея, Москва.
Виктор Борисов-Мусатов. Гармония 1899–1900. Третьяковская галерея, Москва.
Воплощением гармонии во многих работах этого художника-символиста стал образ старинной русской усадьбы. Художник изображает тихий летний вечер, используя для этого удивительные воздушные оттенки сиреневого, голубого и зеленого цветов. Одетые в костюмы XVIII века персонажи картины переносят нас в мир прекрасного прошлого, вызывая характерную для символизма ностальгию по «золотому веку».
Павел Кузнецов. Акация в песках Бухары (Дерево пустыни). 1909. ГМИИ им. Пушкина.
Павел Кузнецов. Акация в песках Бухары (Дерево пустыни). 1909. ГМИИ им. Пушкина.
В 1906 году Павел Кузнецов съездил в Париж, где на него произвели впечатление произведения Поля Гогена и фовистов, а также выставка алжирского ткачества, откуда и начался интерес художника к уголкам мира, нетронутым цивилизацией. В конце 1900-х – начале 1910-х живописец отправился в заволжские степи Центральной Азии. В серии «степных» полотен Кузнецова просматривается вечная идея о гармонии и единении человека и природы, мудрость Востока, древнее и первородное понимание жизни.
Кузьма Петров-Водкин. Сон. 1910. Русский музей, Санкт-Петербург.
Кузьма Петров-Водкин. Сон. 1910. Русский музей, Санкт-Петербург.
Скандальное произведение, вызвавшее полемику после его показа на выставке Союза русских художников, разделило профессиональное сообщество: к примеру, Илья Репин считал Кузьму Петрова-Водкина неучем, подражающим новомодным Матиссу и Гогену, а Лев Бакст, напротив, восторгался формой и рисунком его произведений. Эта картина ознаменовала переход художника на новый творческий этап. В детстве яркое впечатление на будущего живописца оказали иконы, которые он видел у староверов. Картина представляет собой аллегорию сна с приближающимся пробуждением и активизацией творческих сил и энергии. Подсказкой тому - извержение вулкана на дальнем плане.
Анри Матисс. Настурции. Панно
Анри Матисс. Настурции. Панно "Танец II". 1912. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Приглушенные, дымчатые тона (как на многих картинах символистов) сменяются у Анри Матисса буйством красок. Люди в хороводе с этого знаменитого панно перекликаются с персонажами "Сна" Кузьмы Петрова-Водкина (см. предыдущее фото), который написал свою работу на 2 года раньше.
Поль Гоген. Te arii vahine (Жена короля).1896. ГМИИ им. Пушкина, Москва..
Поль Гоген. Te arii vahine (Жена короля).1896. ГМИИ им. Пушкина, Москва..
Композиция картины вступает в диалог со знаменитым полотном Эдуарда Мане «Олимпия». Известно, что, покидая Европу, Гоген взял с собой на Таити репродукцию этого произведения. Однако Гогену удалось выработать в своем творчестве новый язык - чтобы описать иную женственность и красоту, отличную от того, к чему привыкли европейцы. Красоту «Таитийской Венеры» оценили еще при жизни художника. «Тело первобытной Евы» завораживало критиков, а для художников русского авангарда союз классического и варварского стал отправной точкой для собственных экспериментов – от торжественных образов Наталии Гончаровой до примитивистских Венер Михаила Ларионова.
Михаил Ларионов. Кацапская Венера. 1912. Нижегородский государственный художественный музей.
Михаил Ларионов. Кацапская Венера. 1912. Нижегородский государственный художественный музей.
Грубоватое изображение тела русской Венеры с нарочито укрупненными руками и ногами отсылает нас не к традиционным представлениям об олимпийских небожителях, а скорее к простонародным типажам, демонстрируя, как и в случае с картиной Поля Гогена «Жена короля», новое понимание красоты. «Обнаженная с котом» Михаила Ларионова по-соседству с таитянской Венерой Гогена приковывает взгляд, пожалуй, сильнее.
Кузьма Петров-Водкин. Семья кочевника. 1907. Чувашский государственный художественный музей, Чебоксары.
Кузьма Петров-Водкин. Семья кочевника. 1907. Чувашский государственный художественный музей, Чебоксары.
Картина «Семья кочевника», участвовавшая в парижском салоне 1908 года, композиционно схожа с работой «Жена короля» Поля Гогена, однако акцент здесь сделан скорее на нежности и величии образа материнства. Сам художник при этом отрицал влияние Гогена на свое творчество.
Поль Гоген. «Eiaha Ohipa» («Не работай»). Таитяне в комнате. 1896. ГМИИ им. Пушкина.
Поль Гоген. «Eiaha Ohipa» («Не работай»). Таитяне в комнате. 1896. ГМИИ им. Пушкина.
Живопись Поля Гогена для раннего русского авангарда была частью важной "хрестоматии". Усвоение «уроков французского» происходило прежде всего при знакомстве с московскими частными коллекциями - Сергея Щукина и Ивана Морозова. Гогеновский «иконостас» - ансамбль, который Щукин составил из картин Гогена в своем доме в Большом Знаменском переулке, сложился к началу 1910-х и был хорошо известен даже тем, кто не видел парижских выставок. Тогда же на некоторое время сформировалась «русская гогеновская группа», «гогениды», как именовали их в прессе.
Павел Кузнецов. Киргизские дети. 1909. Рязанский областной художественный музей им. Пожалостина.
Павел Кузнецов. Киргизские дети. 1909. Рязанский областной художественный музей им. Пожалостина.
В ходе поездок в заволжские степи и Центральную Азию, подобно Гогену в Полинезии, саратовский художник Павел Кузнецов открыл для себя мир Востока с его многоцветной палитрой. Данное произведение принадлежит к так называемой «Киргизской сюите» – самому многочисленному циклу произведений художника.
Роберт Фальк. Девушки-поденщицы. 1912. Саратовский музей им. А.Н.Радищева.
Роберт Фальк. Девушки-поденщицы. 1912. Саратовский музей им. А.Н.Радищева.
Изображая укрупненные фигуры женщин, сидящих как древние идолы, художник покрывает большие пространства холста одним сплошным цветом, добиваясь эффекта витража.
Поль Гоген. Пейзаж (Лошадь на дороге). 1899. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Поль Гоген. Пейзаж (Лошадь на дороге). 1899. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Одна из поздних работ художника, написанная на Таити.
Роберт Фальк. На даче. 1911. ГМИИ им. Пушкина.
Роберт Фальк. На даче. 1911. ГМИИ им. Пушкина.
Довольно легко просматривается параллель с предыдущей картиной, хотя и написаны они в совершенно разных условиях. Пройдя опыт импрессионизма, Фальк достаточно быстро попал под влияние Поля Гогена и часто работал с яркими контрастными цветами.
Михаил Ларионов. Проходящая женщина. 1909. Ульяновский областной художественный музей.
Михаил Ларионов. Проходящая женщина. 1909. Ульяновский областной художественный музей.
В 1906 году Михаил Ларионов по приглашению Сергея Дягилева вместе с другими русскими художниками совершил поездку в Париж, где принял участие в выставке «Два века русской живописи и скульптуры». Он был одним из немногих русских мастеров, творчество которых восприняла французская публика. Находясь в Париже, он внимательно изучал работы постимпрессионистов – Сезанна, Ван Гога, Гогена. При этом неопримитивистская живопись самого Ларионова была обращена к русскому народному искусству, в частности, к лубку.
Поль Гоген. Кафе в Арле. 1888. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Поль Гоген. Кафе в Арле. 1888. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Гоген описывал в письме к художнику Эмилю Бернару в ноябре 1888 года свою картину «Кафе в Арле» так: «Я написал также ночное кафе, которое страшно нравится Винсенту (Ван Гогу), но мне — нет... В верхней части — красные обои; три проститутки: у одной голова в папильотках, другая — со спины, в зеленой шали, третья в ярко-красной шали; слева — уснувший Бишар. Мраморный столик. Всю картину пересекает полоса голубого поперечного дыма, но фигура на переднем плане слишком благопристойна».
Пётр Кончаловский. Девочка из Арля. 1908. Частное собрание, Москва.
Пётр Кончаловский. Девочка из Арля. 1908. Частное собрание, Москва.
В конце 1900-х годов Пётр Кончаловский был очарован творчеством Винсента ван Гога, работы которого он увидел на персональной выставке мастера в Париже. Увлечение на тот момент было столь сильным, что Кончаловский отправился в путешествие по вангоговским местам, а именно - в Арль. Здесь он пишет портрет юной местной жительницы, изображая ее в живописной манере, схожей с узнаваемым почерком Винсента – сочетая резко контрастирующие между собой цвета и вылепливая фигуру модели жесткими линиями.
Анри Матисс. Испанка с бубном. 1909. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Анри Матисс. Испанка с бубном. 1909. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Для многих русских живописцев символом нового искусства в начале ХХ века стал именно Матисс, с работами которого можно было познакомиться в Москве благодаря коллекционеру Сергею Щукину: он моментально приобретал их для своего собрания и привозил в Россию. Ненатуралистическое использование ярких, казалось бы, несоединимых цветов искусствоведы трактуют как радикальное развитие колористических идей импрессионизма, которое позже приобретет собственное название – фовизм (от фр. les fauves — «дикие», «хищники»).
Петр Кончаловский. Наташа на стуле (Портрет Н.П. Кончаловской в детстве), 1910. Собрание Екатерины и Владимира Семенихиных.
Петр Кончаловский. Наташа на стуле (Портрет Н.П. Кончаловской в детстве), 1910. Собрание Екатерины и Владимира Семенихиных.
Петр Кончаловский - знаменитый авангардист, создатель объединения «Бубновый валет», ныне один из самых дорогих российских художников в мире.
Поль Сезанн. Персики и груши. 1895. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Поль Сезанн. Персики и груши. 1895. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Поль Сезанн сформировал собственный аналитический подход к жанру натюрморта: именно он предложил сосредоточить внимание на анализе формы, открыл путь новым формальным экспериментам по созданию живописных структур, что и было подхвачено и многими отечественными мастерами. В картине «Персики и груши» посуда и фрукты изображены на столешнице, словно опрокидывающейся на зрителя. Кажется, что они покоятся на твердой деревянной основе и в то же время парят над поверхностью холста.
Михаил Ларионов. Натюрморт с зелеными грушами. Около 1907. Третьяковская галерея, Москва.
Михаил Ларионов. Натюрморт с зелеными грушами. Около 1907. Третьяковская галерея, Москва.
Словно соревнуясь с Сезанном, Михаил Ларионов изображает груши, скатывающиеся со стола к нижнему краю картины, и фрагменты предметов, будто случайно попавших в границы холста.
Наталья Гончарова. В мастерской художницы. 1907–1908. Тульское музейное объединение.
Наталья Гончарова. В мастерской художницы. 1907–1908. Тульское музейное объединение.
В этом произведении Наталия Гончарова словно «цитирует» «Натюрморт с зелеными грушами», написанный ее супругом Михаилом Ларионовым. Фрукты разложены на столике, установленном на сидении кресла, напоминающее по цвету зелень плодов с ларионовской картины. Справа - гравюра с размытыми контурами женской фигуры – копия с одной из живописных работ Ларионова. Во главе всей композиции – икона Казанской Богоматери как символ русской культуры, уходящей корнями в глубокое прошлое.
Александра Экстер. Натюрморт. 1909. Серпуховский историко-художественный музей.
Александра Экстер. Натюрморт. 1909. Серпуховский историко-художественный музей.
В 1907 году Александра Экстер прибыла в Париж, где посетила большую ретроспективную выставку Поля Сезанна и увидела произведения раннего кубизма, что позволило ей одной из первых впитать новые веяния западноевропейской живописи и не потерять при этом самобытность. Художница широко использует яркие цвета и фактурность красочного слоя.
И.И. Машков. Натюрморт. 1912-13. Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева.
И.И. Машков. Натюрморт. 1912-13. Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева.
Илья Машков - самобытный русский живописец, которого иногда называют "королем натюрмортов". Сейчас он - один из самых дорогих русских художников, его картины продаются на мировых аукционах за миллионы долларов. Его наследие составляет несколько сотен работ, которые находятся во многих коллекциях мира.
Поль Сезанн. Мост через Марну в Кретее. 1894-95. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Поль Сезанн. Мост через Марну в Кретее. 1894-95. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Яркий образец пейзажного творчества Сезанна - одного из самых известных представителей постимпрессионизма. "Этот пейзаж как бы воплощает новые принципы живописного построения, открытого Сезанном: роль параллельных и перпендикулярных горизонту линий; функции глубины и поверхности; приёмы, позволяющие передать ощущение света и воздуха в картине". В России художники особым образом почитали знаменитого «затворника из Экса», как называли Сезанна, в итоге в отечественном искусстве даже сложилось целое направление, получившее название «русский сезаннизм».
Илья Машков. Женевское озеро. Глион.1914. Третьяковская галерея, Москва.
Илья Машков. Женевское озеро. Глион.1914. Третьяковская галерея, Москва.
Илья Машков - активный участник художественного общества «Бубновый валет», которое выступало против традиций академизма и реализма, провозглашая господство импрессионистских, фовистских и кубистских идей.
Василий Рождественский. Натюрморт с ликёром. 1913. Третьяковская галерея, Москва.
Василий Рождественский. Натюрморт с ликёром. 1913. Третьяковская галерея, Москва.
Василий Рождественский проявил себя как большой мастер – аналитик и колорист, писавший свои работы с прицелом на кубизм.
Пабло Пикассо. Дама с веером. 1909. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Пабло Пикассо. Дама с веером. 1909. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Картина относится к раннему, аналитическому периоду кубизма Пикассо. Эту работу традиционно считают одним из первых кубистических полотен, приобретенных в Париже Сергеем Щукиным. За достаточно короткий промежуток времени коллекционеру удалось собрать крупнейшее в мире собрание работ Пабло Пикассо, насчитывавшее около 50 произведений.
Пабло Пикассо. Сидящая женщина. 1908. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Пабло Пикассо. Сидящая женщина. 1908. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Эта работа принадлежит к серии полотен, которые стали новым прорывом в искусстве: Пикассо придумал принципиально новый подход к представлению формы, названный впоследствии аналитическим кубизмом.
Александр Родченко. Девушка с цветком. 1914-1915. Государственный музей изобразительных искусств республики Татарстан, Казань.
Александр Родченко. Девушка с цветком. 1914-1915. Государственный музей изобразительных искусств республики Татарстан, Казань.
Еще один из признанных творцов русского авангарда.
Наталья Гончарова. Соляные столпы. Около 1910. Третьяковская галерея, Москва.
Наталья Гончарова. Соляные столпы. Около 1910. Третьяковская галерея, Москва.
Если для основателя кубизма Пабло Пикассо одним из источников вдохновения служила африканская скульптура, то Наталия Гончарова называла первыми произведениями кубизма скифские надгробные памятники. В ее с Михаилом Ларионовым коллекции было несколько подобных скульптур. Именно «каменным бабам» уподобляются фигуры участников библейской истории о Содоме и Гоморре.
Пабло Пикассо. Портрет Амбруаза Воллара.1910. ГМИИ им. Пушкина.
Пабло Пикассо. Портрет Амбруаза Воллара.1910. ГМИИ им. Пушкина.
Художник конструирует изображение с помощью многочисленных планов и полупрозрачных плоскостей, характерных для «аналитического» кубизма. Амбуаз Воллар — известный собиратель живописи и торговец картинами, в разные годы поддерживал творчество Сезанна, ван Гога, Ренуара, Гогена и Матисса. Он первый в Париже заметил Пабло Пикассо и в 1901 году провел его персональную выставку.
Любовь Попова. Дама с гитарой. 1915. Смоленский государственный музей-заповедник.
Любовь Попова. Дама с гитарой. 1915. Смоленский государственный музей-заповедник.
В начале XX века многие художники задумываются о том, как, помимо передачи объема и пространства, ввести в живопись категорию времени и ощущение динамизма. Освоив принципы «кубистического сдвига» в ходе обучения в Париже, в своих работах Любовь Попова демонстрирует мастерское владение новым приемом. На картине «Дама с гитарой» художница превращает фигуру модели и гитару, которую она держит в руках, в динамичное сочетание геометрических форм.
Михаил Ларионов. Лучистый пейзаж. 1912. Русский музей, Санкт-Петербург.
Михаил Ларионов. Лучистый пейзаж. 1912. Русский музей, Санкт-Петербург.
Главным элементом «лучизма» Михаила Ларионова стали цветные линии-лучи, поскольку согласно физической теории глаз воспринимает не сам предмет, а отражаемый им солнечный свет. Поэт Владимир Маяковский, как известно, в юности занимавшийся живописью, назвал лучизм «кубистическим толкованием импрессионизма». Сегодня подобные «Лучистому пейзажу» работы Ларионова и его супруги Наталии Гончаровой считаются одной из первых в России попыток создания абстрактной живописи.
Василий Кандинский. «Импровизация № 20». 1911. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Василий Кандинский. «Импровизация № 20». 1911. ГМИИ им. Пушкина, Москва.
Кандинский - один из создателей беспредметного, или абстрактного искусства. Духовное, согласно его пониманию, могло быть воплощено лишь через абстрактные образы, в которых художник искал аналогию музыкальным впечатлениям. «Импровизация № 20» стала одной из последних работ художника, на которой еще сохранялись очертания реальных предметов: черные линии, как будто хаотично набросанные, все же намекают на фигуры лошадей и всадников. «Импровизация», по мнению художника, включает более активное участие фантазии, переосмысление впечатления, высвобождение интуитивного начала.
Казимир Малевич. Авиатор. 1914. Русский музей, Санкт-Петербург.
Казимир Малевич. Авиатор. 1914. Русский музей, Санкт-Петербург.
Малевич – русский авангардист, картины которого продолжают расшифровывать до сих пор. «Авиатор» – одна из его картин-загадок, которую каждый волен толковать, как угодно. Человеческая фигура (летчика, затерянного между небом и землей?) помещена в пространство, лишенное низа и верха, и окружена причудливыми надписями, не имеющими смысла, странными абстракциями, среди которых выделены отдельные предметы. Художник использует язык знаков-иероглифов, в которых каждый способен увидеть свой скрытый смысл.
Павел Филонов. Трое за столом. 1914–1915. Русский музей, Санкт-Петербург.
Павел Филонов. Трое за столом. 1914–1915. Русский музей, Санкт-Петербург.
Художник был основоположником «аналитического искусства». Филонов, критикуя кубизм, утверждал, что кроме формы и цвета есть целый мир невидимых явлений и взаимодействий, а художнику недостаточно передать только внешнее восприятие объекта, ему необходимо выявить законы эволюции этого объекта. Филонов - автор символико-философских картин, портретов. Изображение фигур за столом в будничной или торжественной праздничной ситуации — одна из излюбленных тем в его творчестве, с религиозной, евангельской подоплекой. Хлебников, поэт наиболее близкий Филонову в своих творческих исканиях в то время, так отозвался о нем: «Прекрасный и страдальческий Филонов, малоизвестный певец городского страдания».

Теги: Культурно-познавательный туризм

Полезные ссылки:

✔️ Кэшбэк 4% при бронировании на Ostrovok.ru. Более 3000 отзывов.

✔️ Кэшбэк до 5% при бронировании отеля на Яндекс.Путешествия.

✔️ Кэшбэк 3% при бронировании жилья на Суточно.ру.

✔️ Кэшбэк до 2% при покупке авиабилетов на Aviasales.

✔️ Русские гиды и экскурсии по всему миру. Трансферы, услуги фотографов и многое другое.

✔️ Дешевые авиабилеты? Конечно Aviasales.

Комментарии к альбому